'미술관에 있으면 다 작품인가?' 싶은 미술 작품들, 아마 한 번쯤 보셨을 겁니다.
벽에 테이프로 붙인 바나나, 미술관 선반에 올려진 물컵. 아, 내겐 너무 어려운 현대미술! 하고 지나가기엔, 어마어마한 금액으로 팔리는 작품들도 있죠. 위 사진 속 바나나 작품은 1억 6천만 원에 팔렸고, 선반 위 물컵은 2,500만 원에 팔렸습니다. 나도 똑같이 만들 수 있을 것 같은데, 왜 이런 가격인 거지? 이해되지 않으면, 난해하게 느껴지기 마련입니다. 이 작품들은 도대체 왜, 비싸게 팔린 걸까요?
“시대에는 그 시대의 예술을” 구스타프 클림트가 회장으로 있던, 빈 분리파의 표어입니다. 보수적이고 전통적인 기존 예술에 저항하며 내놓은 말이죠. 이 표어는 오늘날에도 적용해볼 수 있습니다. 오래된 과거의 예술은 가고, 새로운 시대에는 새로운 예술이 자리합니다. 난해하다 여겨지는 현대미술도 우리가 이해해 볼 가치는 충분히 있는 것이죠.
도대체 현대미술은 무엇일까요?
그 시작은 언제였는지 거슬러가봅시다. 시기적으로는 1950년대 이후의 예술을 현대미술이라 부르는데요. 학자들마다 구분 기준이 다 다릅니다. 통상적으로는 뒤샹의 <샘> 작품이 등장한 이후 작업들을 현대미술 작품으로 분류해요.
뒤샹의 <샘>은 대표적인 ‘개념미술’ 작업입니다. 개념미술이란, 작가의 아이디어가 곧 예술작품의 재료가 되는 사조예요. 때문에 아름다움을 추구하기보다, 기발함을 추구하죠. <샘> 이후, 다양한 아이디어가 녹아든 작품들이 세상에 나오게 됩니다.
이 과정에서 ‘팝아트’ 같은 대중적인 작업이 나오기도 했습니다.
대표적인 작가로는 앤디 워홀이 있죠. 화려한 색감에 만화적인 표현이 대표적이라, 쉽게 느낄 수도 있지만, 이 역시 작가의 아이디어를 작품화한 것입니다. 당시 사회는 소비주의와 자본주의로 접어들고 있었는데요. 이를 비판하기 위해 광고 이미지를 차용해 작품화하면서 발전했습니다. 자본주의 사회를 비판하려는 작가의 아이디어가 작품이 된 것이죠.
앤디 워홀: 누구보다 상업적이었던 작가, 마침내 현대미술 최고가 작품이 되다 : 현대미술 씬의
작품이 평가받을 시간에 더 많은 작품을 만들어라. 작업이 좋은지 나쁜지, 사람들이 좋아할지 싫어할지는 관객이 결정할 일이다. 고민하지 말고, 일단 완성하라. -Andy Warhol (1928. 8 ~ 1987. 2)앤디 워
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또 현대미술 작품 중엔 독특한 재료를 사용한 것이 많습니다.
기술이 발전하며 전통적인 그림이 아닌 다양한 장르의 작품들이 등장했죠. 백남준의 TV 작품들, 아마 미술시간에 한번 쯤 접해본 적 있을 거예요. 전통적인 캔버스를 TV 스크린으로 바꾸며, 전에 없던 새로운 작품을 선보였죠. 백남준을 시작으로 이후에는 큰 건물의 벽을 활용한 미디어 파사드나, 건물 내부의 한 면을 스크린으로 만드는 미디어 아트 등도 등장합니다. 초기 현대미술에 작가의 아이디어가 중요시됐다면, 이후엔 새로운 재료를 사용하는 것도 특징이 된 것이죠.
이런 흐름 속, 전통적인 주제를 새로운 재료로 제시한 작품도 떠올랐습니다.
데미안 허스트의 박제상어. 한번쯤 보신 적 있을 거예요. 죽은 상어를 거대한 탱크에 담은 작품인데요. 이는 죽음을 관객의 눈앞에 직접 제시해 충격을 주기 위함입니다. 사실 죽음은 오래된 미술 주제인데, 이를 시각적으로 제시하며 그 충격의 볼륨을 더 키운 것이죠.
데미안 허스트는 왜 '박제 상어'를 만들었을까 : 현대미술 씬에서 주목받는 예술가는 어떤 셀프
데미안 허스트, © Gagosian Gallery오늘날의 예술가는 작품을 파는 사람이 아니라 스스로를 파는 사람이라고 보아도 무방합니다. 작품이 던지는 메시지가 곧 작품 가치로 직결되는 현대미술. 이
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현대미술은 앞서 언급했듯, 작가의 아이디어가 중요시되고, 비전통적인 재료를 활용하는 게 특징입니다.
이런 작품에서 중요한 건, 작품 자체가 주는 ‘이미지’보다 작품 자체의 ‘혁신성’인데요. 이 혁신성을 판단하는 기준은 매우 다양합니다. 전에 없던 신선한 아이디어를 보여주거나, 기존 방식을 완전히 뒤집거나. 그렇다면 이건 누가 판단할까요?
현대미술에서는 ‘브랜드 파워'가 그 어느 분야보다 강합니다.
유명 컬렉터나 갤러리, 미술관, 경매회사처럼 미술시장에서 권위를 가진 기관이 선택한 작품을 ‘공인된 혁신적 작품'으로 받아들이는 것이죠. 동일한 두 개의 작품이 일반 갤러리에서 판매될 때와 유명 갤러리에서 판매되는 상황, 두 가지를 비교할 경우, 유명 갤러리 작품이 훨씬 잘 팔립니다. 그리고 이 상황이 반복되면, 특정 작가에게는 브랜드 파워가 생기게 되고요. 일례로 소더비나 크리스티 같은 유명 경매회사에서 큰 금액에 낙찰된 작가는 이후 작품 가격이 급격히 오르는 경우가 많습니다.
이는 반대로 말하면 브랜드화 된 작가의 경우, 어떤 작품을 내놓아도 모두가 계속 열광할 가능성이 높다는 뜻이기도 합니다. 소수의 선택된 작가만 부를 가져가는 것이죠. 우리가 현대미술작가의 이름을 많이 알지 못하는 이유이기도 하고요. 작가의 이름이 브랜드 가치를 얻기까지 과정이 매우 고되고, 한번 얻은 브랜드 파워는 지속되는 경우가 많기 때문이에요.
사실 제일 비싼 그림은 인상주의 작업입니다.
인상주의 작업도 당시엔 난해하다 비난받았지만, 지금은 가장 비싼 작품들이 되었죠. 하지만 인상주의 작업들 대부분이 이미 미술관 소장품이 되었거나 개인 컬렉터 소장품으로 시장에 나오지 않습니다. 때문에 인상주의 이후의 예술인 현대미술로 컬렉터들이 조금씩 옮겨가고 있다고 보는 시각도 있어요. 이미 구하기 어려운 근대미술보다, 상대적으로 저렴하고 큰 수익을 낼 가능성이 있는 현대미술로 옮겨간 것이죠.
또 미술작품을 평가하는 미적 기준이 과거와 달라진 점도 꼽을 수 있습니다. 오늘날에는 작품이 가진 미학적 가치보다, 작가 자체의 신비감이나 매력도가 더 중요시되는데요. 작가가 가진 작품세계, 세계관 같은 요소가 시각적 요소인 작품 만큼이나 중요하게 되면서, 이를 잘 설계하는 작가들의 작품이 비싸게 팔리는 경향을 보여요.
한편, 전세계적으로 수집가층이 젊어지는 것도 영향을 미칩니다. 미술시장의 흐름 또한 그들이 선호하는 작가층으로 흐르게 될 것으로 보이고요. 현대미술의 실험적인 기법과 화려한 색감, 독특한 아이디어는 젊은 컬렉터의 선택을 지금도 이미 받고 있는 상황입니다.
난해하다 느껴지는 현대미술. 하지만 이 흐름은 우리 사회를 반영하고 있습니다. 과거보다 장르도 다양하고 작품세계도 복잡해진 만큼 공부해야 할 것도 많지만, 우리 사회를 새로운 관점으로 바라보는 작업들은 신선한 충격을 주기도 하죠. 현대미술의 가치는, 아는 만큼 더 잘 느낄 수 있습니다.
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